Dagli studi di Singapore ai palcoscenici globali, queste artiste e designer – creatrici di immagini, modellatrici di oggetti, costruitrici di mondi – stanno ridefinendo cosa significa creare. Attraverso lenti, linee e materiali, stanno espandendo il linguaggio visivo del nostro tempo. Più avanti, incontra Chok Si Xuan, un artista basato sull’installazione che esplora una tensione nel cuore della società contemporanea: il tira e molla tra il macchinico e l’organico.
Per Chok Si Xuan, la creazione di un’opera d’arte non inizia prendendo in mano un pennello. Le sue fonti di ispirazione sono tanto ampie quanto contraddittorie: le inquietanti immagini di un film di fantascienza, l’inaspettato retroscena dietro la progettazione di un treno ad alta velocità giapponese o persino le creste dell’ala di un pipistrello. Il lavoro basato sull’installazione di Chok è un’affascinante miscela di cibernetica, scultura e arte, che esplora le sovrapposizioni e le contraddizioni tra il naturale e il creato dall’uomo. Le sue sculture assumono spesso forme aliene e surreali, ma anche quando lo fanno, è nella speranza che gli spettatori le guardino e vedano non solo una finestra su altri mondi, ma uno specchio che riflette il nostro.
Nonostante sia esperto nel campo della tecnologia, Chok è un artista di mestiere. Questo è forse ciò che conferisce anche al suo lavoro più surreale una nota distinta di umanità: la sua incursione nello spazio della programmazione e della tecnologia ha preso un percorso creativo. Ha iniziato il suo percorso creativo come studentessa di moda presso un’università locale, ma è stata presto attratta dalla pura espressione artistica offerta dal programma di belle arti. “Ho preso la pittura come primo passo, perché in realtà non avevo alcuna base artistica. Poi ho visto persone che realizzavano installazioni e sculture, e questo mi ha colpito.” È stata immediatamente attratta dai temi del macchinico e dell’organico e dalle contraddizioni inerenti a queste classificazioni. “Sono sempre stato interessato all’idea di ciò che è naturale e non naturale. Ho iniziato osservando le invenzioni umane ispirate alla natura: si chiama design biomorfico.” Qui ha scoperto curiosità inaspettate del design: alcune casuali, come le creste di un ombrello che ricordano le giunture delle ali di un pipistrello; altri deliberatamente, come la punta di un treno ad alta velocità giapponese progettato per imitare la curva aerodinamica del becco di un martin pescatore.
Le sue installazioni, spesso costruite con componenti elettronici di seconda mano raccolti con l’aiuto di amici artisti, hanno lo scopo di esplorare i confini sempre più sfumati tra il macchinico e l’umano. “Soprattutto nel campo della tecnologia, in cui è cresciuta la mia generazione, sono curiosa di sapere come l’elettronica e l’infrastruttura digitale hanno influenzato la nostra cognizione, i nostri corpi e le nostre relazioni reciproche”, afferma. Questa passione per la tecnologia ha portato Chok ad approfondire l’argomento, utilizzando tutorial di YouTube per imparare a programmare o tormentando i proprietari dei negozi a Sim Lim Square per insegnarle di più sui loro prodotti. Quando anche questo non bastava, ha iniziato una laurea part-time in ingegneria elettronica.
“Internet è una grande risorsa, ma avere una struttura e avere a che fare con persone che operano nel settore aiuta davvero a contestualizzare il motivo per cui tutta questa conoscenza viene assemblata in una disciplina”, afferma Chok. Questo background tecnico è stato messo in mostra nella sua mostra più recente, intitolata core_memoryche ha esplorato quella che lei chiama la materialità della tecnologia. “Ho dei circuiti in mostra e ho anche realizzato alcune soluzioni per lo sviluppo di giochi”, spiega. “Queste sono cose che ho effettivamente imparato a scuola.”
C’è anche una qualità aliena e ultraterrena nell’arte di Chok, e lei attinge fortemente da opere di fantascienza come Arrivo E Annientamento. “Ciò che mi entusiasma delle immagini di questi film è questa idea dell’ignoto e questa forma molto aliena della natura che descrivono”, afferma. In Arrivoun linguista ha il compito di escogitare un modo per comunicare con gli alieni quando i militari non riescono a farlo; Annientamento vede un gruppo di scienziate avventurarsi in un paesaggio infestato da un virus sconosciuto. In questo senso, entrambi i film affrontano anche quel desiderio molto umano, di fronte all’assurdità, di comprendere, di svelarlo pezzo per pezzo e mapparlo. È un impulso che puoi osservare nella stessa Chok. Per lei, per quanto ultraterreni possano essere i problemi di questi film, offrono parallelismi chiave con il nostro mondo. “Quella sensazione di inquietudine, per me, riflette l’assurdità in cui viviamo”, dice. “Ci ritroviamo costantemente in momenti così assurdi con le nostre invenzioni.”
Di seguito, Chok Si Xuan ci racconta di più sul suo viaggio attraverso l’arte, la tecnologia e tutto il resto.
Come è iniziato il tuo percorso da artista?
Chok Si Xuan (CSX): Ho fatto qualcosa di artistico fin da quando ero bambino – facevo balletto, disegnavo – ma non avevo mai pensato di farlo professionalmente. È stato solo quando sono andato all’open house di una scuola d’arte locale che ho pensato tra me e me, wow, questa potrebbe essere una possibile carriera adesso. E così ci ho provato. Andare alla scuola d’arte mi ha dato l’opportunità di guardare davvero cosa era possibile fare e quali tipi di pratiche artistiche c’erano là fuori, e anche di comprendere e affrontare le sfide dell’essere un artista attivo. L’altro punto cruciale è stato quando mi sono laureato al corso di laurea in belle arti, perché era durante il Covid. È stato un momento davvero difficile per tutti, ma stranamente, davvero un bel momento per la mia pratica, perché tutti si concentravano su qualcosa di digitale. Anche nell’ambito artistico, ero interessato non solo al digitale, ma a quello tecnologico, e le mie opere erano sempre state curiose delle macchine e di cosa significa convivere con la tecnologia. Fortunatamente o sfortunatamente, quel periodo ha dato maggiore spazio alla mia pratica, così ho potuto fare più spettacoli, guadagnare slancio e incontrare molte persone fantastiche lungo il percorso.
La tua pratica artistica ha cambiato il tuo personale rapporto con la tecnologia?
CSX: Sì, ho decisamente la sensazione che mi abbia reso un consumatore più consapevole. Negli ultimi cinque o sei anni, indagando di cosa sono fatti i materiali tecnologici, ho anche pensato a quanto siano sostenibili queste pratiche. Molta energia viene spesa per estrarre ed estrarre queste risorse, nonché per produrle e fabbricarle. In realtà è una rete davvero complessa di economie e lavori che penso che la persona media non veda o non pensi, e parte del mio lavoro cerca di evidenziarlo. Quindi penso che nella mia vita, questo mi ha fatto pensare, okay, cercherò di utilizzare questi dispositivi il più a lungo possibile e di consumarne di più solo quando ne avrò bisogno. Allo stesso tempo, nella dimensione digitale, anche se penso che a tutti noi piaccia essere online e fare il doomscrolling a vari livelli, sento anche di essere più consapevole di cose come i contenuti generati dall’intelligenza artificiale e da dove provengono.
Hai mai esplorato l’uso dell’intelligenza artificiale nel tuo lavoro?
CSX: Nel mio lavoro non l’ho esplorato così tanto. Penso che tutto si riduca all’intenzione, e mi sembra di aver visto solo pochi artisti che sono riusciti davvero a creare una collaborazione significativa e consapevole con questi strumenti. La preoccupazione più grande che mi viene in mente quando penso all’intelligenza artificiale è che siamo noi a delegare i nostri pensieri, o il processo di pensiero e scrittura, a una macchina. Naturalmente, l’idea di delegare parte del nostro modo di vivere o di ciò che ci rende umani non avviene solo con l’intelligenza artificiale, ma anche nell’uso delle applicazioni. Ad esempio, se vogliamo comprare del cibo, non dobbiamo necessariamente andare in un negozio; potremmo semplicemente ordinarlo sui nostri telefoni. Oppure, se stiamo cercando una connessione, potremmo usare un’app di appuntamenti. Quindi ci sono sempre alcuni livelli di interazione che vanno persi: penso solo che l’intelligenza artificiale faccia un grande passo avanti, soprattutto in termini di generazione rapida.
Conduci spesso programmi educativi e sessioni interattive insieme alle tue mostre. Perché è importante per te?
CSX: La parte educativa del fare è davvero importante per la mia pratica, perché mi immergo in molte cose tecniche. Con la tecnologia ci sono molti elementi invisibili: non puoi davvero osservare come l’elettricità scorre attraverso un circuito, ma sai come appare quando succede qualcosa, giusto? Ecco perché parlo spesso con i miei collaboratori esplorando queste dimensioni tecniche e materiali.
Allo stesso tempo, c’è anche molta storia con cui sto cercando di interagire. Nella mia mostra più recente, memoria_core, Stavo pensando a quali tipi di invenzioni hanno portato ad altre invenzioni. In particolare con la memoria del computer: prima dei dischi rigidi, esisteva un tipo di memoria del computer chiamata memoria di base, ed è piuttosto affascinante che ora usiamo memoria di base con un termine diverso. Ora lo usiamo per dire che stiamo creando questo ricordo davvero grande, qualcosa che rimarrà con noi per molto tempo. Quindi cerco sempre di avere conversazioni con spettatori e visitatori su questo background: che c’era questa tecnologia che utilizzava letteralmente nuclei di ferro, e ora stiamo pensando anche a un nucleo che è dentro di noi. Questo tipo di conversazioni possono essere fatte solo di persona.
Ho anche più workshop pratici e didattici con i miei amici presso (laboratorio di ricerca artistica e tecnologica) Sentitori. Hanno progettato un laboratorio che combinava la tessitura con la programmazione. Parte della mia mostra riguardava il modo in cui le tecniche e le pratiche sociali della tessitura hanno portato al primo computer e anche all’invenzione del software: come le schede perforate e le barre della ratiera utilizzate nella tessitura tessile sono diventate effettivamente zero e uno nella programmazione. Quindi penso che essere presenti e conversare con gli spettatori dia una grande opportunità per aiutarli a capire queste cose.
Cosa speri che le persone portino via? core_memory?
CSX: Quello che spero è che le persone abbiano un senso della tecnologia un po’ più intimo. A volte pensiamo alla tecnologia come a qualcosa di più grande di noi, come se potesse salvarci. Ad esempio, la tecnologia inventerà la cura per qualcosa: risolverà questo o quel problema. Ma in realtà la tecnologia e le sue infrastrutture sono piuttosto vulnerabili. È qualcosa che può crollare e fallire. Per me, quella vulnerabilità è qualcosa che vedo dentro di noi, come esseri umani. Quindi vorrei che le persone non pensassero sempre a questi sistemi come a cose che non possono mai fallire, ma che vedessero il fallimento non come una cosa negativa, ma semplicemente come qualcosa che è inevitabile.
Quali altri artisti ti ispirano in questo momento?
CSX: Mi piace davvero lavorare con i Feelers. Anche se non realizzano opere d’arte nella forma tradizionale, penso che la loro ricerca sia davvero entusiasmante, ed è sempre entusiasmante conversare con loro e sognare con loro su tutte queste dimensioni della tecnologia oltre l’ottimizzazione e l’efficienza. Mi ispiro anche a persone come Genevieve Ang. È una ceramista e il suo progetto più recente riguardava il tentativo di comprendere la storia dell’argilla e della muratura di Singapore, come l’argilla di Singapore veniva estratta dai nostri fiumi e come abbiamo perso quel legame con la terra. Un’altra artista che mi viene in mente è Victoria Hertel: è un’artista con cui ho lavorato, e le sue opere sono più interessate all’esperienza sensoriale della tecnologia.
Cosa ti entusiasma della scena artistica di Singapore in questo momento?
CSX: Penso che la scena artistica di Singapore sia molto giovane. Ho la sensazione che le persone siano disposte a provare ad avvicinarsi alle cose con curiosità, e non siamo semplicemente isolati all’interno dei nostri mezzi. Molti tipi diversi di professionisti provenienti da altri ambiti stanno cercando di entrare nel mondo dell’arte a modo loro e di conversare: è anche così che riesco a incontrare persone come ricercatori universitari, musicisti o architetti. Penso che questa curiosità, e forse la mancanza di confini chiaramente definiti, sia ciò che lo rende più sperimentale e più divertente.
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